Salut! Je suis Mark Olsen. Bienvenue dans une autre édition de votre guide de terrain habituel dans un monde de seuls bons films.
« Le pouvoir du chien » de Jane Campion, un examen magistral de la masculinité et de ses mécontentements avec Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst et Jesse Plemons – un film que nous avons couvert ici il y a quelques semaines – est toujours en salles et est maintenant diffusé sur Netflix. L’ancien critique du Times, Kenneth Turan, fait un retour bienvenu avec son interview avec le cinéaste, tous deux discutant sur un banc de parc par un après-midi ensoleillé.
Campion a expliqué que le nouveau film est son premier à se concentrer sur un personnage principal masculin, même si ce n’était pas intentionnel. « Pourquoi irais-je maintenant dans cette direction ? » elle a demandé. «Pour la première fois de ma vie depuis mon séjour à Cannes avec« The Piano », il y a tellement plus de femmes dans cet espace qui font certains des meilleurs travaux là-bas. Nous avons franchi la ligne et tout le monde veut être de notre côté. Personne ne dit : « C’est trop dur pour les femmes. » Le mur de Berlin est tombé et il ne reviendra pas. »
J’ai parlé à Dunst pour la première saison du podcast Enveloppe. Elle a parlé de son personnage, Rose, qui épouse un homme joué par Plemons pour être psychologiquement torturé par son frère, joué par Cumberbatch. Comme elle l’a dit, « Je pense que Rose est une partie très ancienne de moi-même que j’ai dû ressasser pour me sentir vraiment mal dans ma peau, ou me permettre de me sentir mal dans ma peau, à cause des commentaires ou du contrôle des autres. … Je pense qu’au début de la vingtaine, il est très facile de se laisser influencer par différentes choses ou de penser à soi d’une certaine manière, surtout lorsque vous vous présentez en tant qu’actrice et que vous êtes dans la lumière du public. Donc, il y a certainement des choses auxquelles je peux m’identifier en termes de sentiment vraiment mal dans votre peau. »
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Dasha Nekrasova, co-animatrice du podcast populaire et controversé « Red Scare » et que l’on peut voir sur « Succession », fait ses débuts en tant que réalisatrice avec « The Scary of Sixty-First ». Elle est également co-scénariste et co-vedette du film. Il joue maintenant dans une exclusivité 35 mm à la Cinémathèque américaine du Los Feliz 3, et Nekrasova apparaîtra pour des questions-réponses les vendredi et samedi soirs.
Le film est un mélange sauvage de théories du complot et de paniques psychosexuelles alors que deux jeunes femmes apprennent que l’appartement incroyable dans lequel elles ont emménagé appartenait autrefois au financier en disgrâce et délinquant sexuel condamné Jeffrey Epstein. Cela les conduit dans un monde de puissants et peut-être de paranormal, alors que Nekrasova rend hommage aux thrillers italiens giallo et « Eyes Wide Shut » de Stanley Kubrick. Noel Murray a commenté le film pour le Times, en déclarant : « Il est difficile de ne pas être impressionné par le niveau d’ambition du premier long métrage de la scénariste-réalisatrice Dasha Nekrasova,« L’effrayant de la soixante et unième ». produire du grand cinéma.
J’ai parlé à Nekrasova lors de la première du film plus tôt cette année au Festival international du film de Berlin, où il a remporté le prix du meilleur premier long métrage. Pour expliquer pourquoi elle s’est inspirée de la mort d’Epstein, Nekrasova a déclaré: «Vivre à New York, c’était comme une énorme affaire. Et la façon dont les trucs d’Epstein ont en quelque sorte abordé une conversation plus large autour de la classe dirigeante, je suppose que j’ai pensé que c’était vraiment intéressant et convaincant. C’est né d’une sorte d’impuissance que j’ai ressentie face à ces pouvoirs insondables et à ces échelons de pouvoir.
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‘Conduire ma voiture’
Candidat du Japon à l’Oscar international du long métrage, « Drive My Car » de Ryûsuke Hamaguchi est une adaptation d’une nouvelle d’Haruki Murakami qui a remporté le prix du scénario au Festival de Cannes de cette année et vient d’être nommé meilleur film de l’année par les critiques de cinéma de New York. Cercle. (Le scénario est co-écrit par Hamaguchi et Takamasa Oe.) Dans le film, Hidetoshi Nishijima est Yûsuke, un acteur et metteur en scène marié à Oto (Reika Kirishima), une dramaturge. Lorsqu’il accepte un travail qui l’oblige à avoir un chauffeur, Misaki (Tôko Miura), leurs longs trajets ensemble déclenchent une série de révélations. Le film est le deuxième d’Hamaguchi à sortir cette année, après « Wheel of Fortune and Fantasy ». « Drive My Car » joue au Nuart Theatre de L.A., avec Hamaguchi faisant des apparitions ce week-end.
Pour le Times, Justin Chang a écrit : « Parfaitement rythmé, structuré de manière complexe et entièrement absorbant, ‘Drive My Car’ est un film sur l’amour et le chagrin, plein de voyages sinueux et de connexions imprévues. C’est aussi une histoire de narration, dans laquelle l’art et la vie ne s’imitent pas tant qu’ils s’embrassent, devenant des compagnons de lit intimes, finalement indiscernables. … [Hamaguchi is] examiner les contours d’un mariage que, comme pour tout mariage, seuls ses participants peuvent vraiment comprendre. Scène par scène, il se passe plus de choses dans les cinq minutes de « Drive My Car » que dans certains films dans leur intégralité ; il se trouve que cela se déroule, comme dans la vraie vie, avec un clip plus serein et un volume plus faible.
Pour le New York Times, Manohla Dargis a écrit : « Le toucher de Hamaguchi – délicat, précis, sobre, doux – submerge par incréments. Sa réserve est essentielle à son approche visuelle et narrative mais se ressent aussi comme une vision du monde. Les choses se passent, bien que souvent silencieusement, créant une banalité fluide et cristalline qui, par son naturel même et son absence d’inflexion dramatique, renforce le réalisme. Il garde les larmes et le drame sous contrôle, laissant l’émotion s’infiltrer après le coup dur et dans les silences significatifs qui, comme l’espace négatif d’un tableau, complètent le tableau. Avec le temps, tout ce sentiment devient une inondation dans un film qui embrasse formellement et distille parfaitement l’observation de Tchekhov selon laquelle « Quand un homme consacre le moins de mouvements possible à une action définie, c’est la grâce. »
Carlos Aguilar aura une interview avec Hamaguchi pour The Times qui sera bientôt publiée. En attendant, pour RogerEbert.com, il écrit : « Dans la touche délicate et patiente de la mise en scène d’Hamaguchi, les personnages cessent d’être des confections idéalisées faites de mots et d’idées sur la page d’un scribe. Leur transmutation dans le corps des membres de la distribution se produit par osmose, semble-t-il, pour conférer non pas une sagesse condescendante mais une révélation empathique qui se sent vécue. Une balade réfléchie et larmoyante dans laquelle la destination est une confrontation spirituelle avec soi-même, « Drive My Car » dévaste et réconforte à travers sa poésie véhiculaire du chagrin d’où nous fuyons, des collisions qui nous réveillent et de la guérison obtenue à chaque choc. la route. »
Pour Time, Stephanie Zacharek a écrit : « Le film est tendre comme une tempête de pluie : ce n’est qu’après, après avoir laissé le temps à ses idées de s’installer, que son image complète devient claire. C’est le genre de film qui donne l’impression que tout est lavé, un petit coup d’encouragement suggérant que peu importe à quel point vous vous sentez fatigué, vous pouvez avancer dans le monde.
Reika Kirishima et Hidetoshi Nishijima dans le film « Drive My Car ».
(Janus Films)
« Bénédetta »
Réalisé et co-écrit par Paul Verhoeven, « Benedetta » fait suite à « Elle » de 2016 et marque un autre triomphe en fin de carrière pour le provocateur élégant. Un érudit sérieux du Christ – il a co-écrit un livre sur sa vie – Verhoeven apporte néanmoins une irrévérence et un esprit à son étude du catholicisme et du patriarcat. Dans le nouveau film, basé sur une histoire vraie, une nonne du XVIIe siècle nommée Benedetta (Virginie Efira) gagne en notoriété pour ses visions spirituelles alors qu’elle entame une liaison passionnée avec une autre nonne, Bartolomea (Daphne Patakia). Le casting de soutien comprend Charlotte Rampling et Lambert Wilson. Le film est diffusé en édition limitée.
Pour le Times, Justin Chang a écrit : « L’hypothèse de ‘Benedetta’, tour à tour transgressive et terre-à-terre, est que les épiphanies sexuelles et spirituelles peuvent être coupées du même tissu. Deux choses peuvent coexister. Trois choses peuvent coexister, si l’on en croit le concept de la trinité… (et, la divulgation complète, je pense que c’est le cas). Verhoeven, maintenant âgé de 83 ans et opérant toujours avec son caractère glissant de thème, de ton et de genre, considère « Benedetta » lui-même comme une démonstration de ce principe. Est-ce un démantèlement du patriarcat religieux, un acte de blasphème cinématographique ou un portrait sincère de la dévotion chrétienne ? Une histoire d’amour, une leçon d’histoire, un psychothriller ou une farce sexuelle ? Si à tout ce qui précède – ou, plutôt, oui. (C’est un drame italien mais une production française.) »
Pour Vulture, Rachel Handler a interviewé les actrices principales Efira et Patakia. Handler est l’un de mes intervieweurs préférés. Et la conversation est à la fois amusante et perspicace. Efira a expliqué sa relation avec le travail de Verhoeven avant de tourner un petit rôle dans son précédent film « Elle »: « J’étais fascinée après avoir vu ‘Basic Instinct’ et ‘Showgirls’ par la façon dont il sait raconter une histoire à la le transgresser. La façon dont Sharon Stone ou Nomi, tous ses personnages féminins, dominaient le territoire sexuel était si géniale. Ce ne sont pas des femmes fortes – parce que je n’aime pas ce cliché – juste des femmes complexes. Mauvais et bon à la fois.
Pour Tribune News Service, Katie Walsh a écrit : « Les corps, clairement présentés dans toute leur douleur et leur gloire, ont longtemps fait l’objet de la fascination cinématographique de Verhoeven, des ‘Showgirls’ aux ‘Starship Troopers’, et récemment, il a exploré le plus sombre, le plus côté tabou de la politique sexuelle, dans « Black Book » et « Elle ». un drame historique prestigieux. … Verhoeven démolit si complètement l’église dans « Benedetta », présentant une contre-vision utopique d’une spiritualité féminine débridée et sensuelle comme alternative à son hypocrisie patriarcale, qu’il n’est pas étonnant que le film ait attiré les protestations des catholiques, ce qui signifie qu’il fait définitivement quelque chose de bien. »
Pour la liste de lecture, Jessica Kiang a écrit: «Mais si l’approche consciente et kitsch le tire d’affaire, cela compte également comme Verhoeven qui joue relativement en toute sécurité. À une époque où la plupart des cinéastes grand public continuent de faire pression sur la foi comme s’ils envisageaient de se présenter un jour aux élections et pourraient avoir besoin de courtiser la droite évangélique, il est rafraîchissant d’avoir une dose de l’insistance sans ambiguïté du filou néerlandais sur la croyance religieuse en tant que chose lunatique et absurde. … Si « Benedetta » est une blague sur laquelle Verhoeven est impliqué, et qui est conçue pour jouer avec ceux qui y participent aussi, nous pouvons au moins être reconnaissants que ce soit une bonne blague – pas qu’il y ait quelqu’un là-haut à qui être reconnaissant. «
Virginie Efira dans le rôle de Benedetta dans « Benedetta » de Paul Verhoeven.
(Films IFC)
« La main de Dieu »
« La main de Dieu » de Paolo Sorrentino a remporté le Lion d’argent au Festival international du film de Venise de cette année et est la sélection italienne pour le long métrage international Oscar. Une histoire de passage à l’âge adulte basée sur l’enfance de Sorrentino, le film se déroule dans le Naples des années 1980 et suit un jeune homme nommé Fabietto (Filippo Scotti) alors qu’il est aux prises avec la famille, l’identité, la tragédie et son fandom intense de la star du football Diego Maradona. Le film est en sortie limitée et commencera à être diffusé sur Netflix le 15 décembre. Sorrentino apparaîtra à l’Aero Theater de l’American Cinematheque le 10 décembre dans le cadre d’une série sur ses films.
Pour le Times, Robert Abele a écrit : « Les films sur le passage à l’âge adulte peuvent parler d’une leçon ou de plusieurs. Sorrentino, cependant, préférerait que vous preniez le voyage des années 80 de l’adolescent distrait Fabietto Schisa (Filippo Scotti), un enfant maigre dans une grande famille, comme un récit de voyage planant et déviant d’humour et de chagrin, de visions et de sons, sans aucun instruction morale primordiale sur la façon dont n’importe qui est censé grandir. Cela est en partie dû au fait que Sorrentino a une sensibilité notoirement errante à propos de What It All Means – l’image règne, les règles de stimulation, l’histoire peut attendre. Mais c’est aussi le reflet de la façon dont le destin fonctionne dans l’esprit de celui qui regarde en arrière les incidents déterminants et les chiffres essentiels. Les détails font plus pour lui en peignant le tableau qu’en adhérant à un prisme de la raison.
Pour l’Enveloppe, Gregory Ellwood s’est entretenu avec Sorrentino, qui a déclaré à propos de la réponse au film : est le film le plus important que j’ai jamais fait. J’étais très heureux quand j’ai réalisé que j’atteignais l’objectif que je m’étais fixé. Et c’est que je voulais que les gens soient émus, touchés et soulagés. Surtout pour les jeunes, car dans bien des cas, les jeunes peuvent avoir l’idée que leur quotidien est si dur qu’il n’y a pas d’avenir. Ils ne voient que les ténèbres, mais l’avenir est là.
Pour le Washington Post, Ann Hornaday a écrit : « Alors que Sorrentino rassemble ses joueurs au cours de la première heure de ‘La Main de Dieu’, les choses semblent se diriger vers une conclusion prometteuse ; le tournant, quand il arrive, est à juste titre choquant. Mais au cours de l’heure suivante, les rencontres et les coïncidences qui comptent clairement pour lui se produisent tout simplement – elles n’atterrissent pas avec un impact palpable. Le film perd de son élan et les spécificités de la nostalgie, du chagrin et de la découverte de soi du cinéaste semblent plus solipsistes qu’universelles. Malgré toute sa beauté et son caractère poignant, « La Main de Dieu » souffre d’un étrange paradoxe : elle dure trop longtemps mais ne va pas assez loin d’une manière ou d’une autre. »
Pour le Guardian, Xan Brooks a écrit : « Je suis heureux que Sorrentino ait sorti ce film de son système. Je suis impressionné qu’il en soit sorti si plein de vigueur paillarde; encore cru dans le récit et épicé avec de délicieux morceaux fixés. Est-il redondant de s’inquiéter qu’il soit trop près du matériau ? Son récit de l’adolescence lui donne parfois l’impression d’être adolescent, plein de caricatures criardes et de politiques sexuelles grossières. C’est une histoire que Sorrentino a racontée autour d’événements réels, une réponse créative à une catastrophe, avec lui-même au centre et tous les autres sur son orbite. Il a rampé dans la fange. Il a survécu et il a prospéré. Il peut maintenant imprimer sa propre légende à 10 pieds de haut sur l’écran.
Filippo Scotti dans le drame de Paolo Sorrentino en 2021, « La main de Dieu ».
(Gianni Fiorito)
